CINEMATECA DE CUBA
Calle 23
No. 1155 Vedado Habana Cuba.
Tel. (537) 55-2844 Fax (537) 55-1188
e-mail: cinemateca@icaic.cu
programador: espec2@icaic.cu
Miembro de la
Federación Internacional de Archivos Fílmicos [FIAF]
y de la Coordinadora
Latinoamericana de Archivos de Imágenes en Movimiento [CLAIM].
Cine Chaplin, Calle 23 e/ 10 y 12, Vedado. Tlf. 831-1101
ENERO, 2007
PROGRAMA
CINE CHAPLIN
LOS 25 MEJORES MUSICALES NORTEAMERICANOS: ENCUESTA DE A.F.I. (II)
8:00: LUGAR 21: SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS
8:00: LUGAR 22: LA BELLA Y LA BESTIA
Ma 9: 2:00: LUGAR 23: ELLOS Y ELLAS
5:00: LUGAR 23: ELLOS Y ELLAS
8:00: LUGAR 23: ELLOS Y ELLAS
8:00: LUGAR 24: MAGNOLIA
J 11: 2:00: LUGAR 25: MOLINO ROJO
5:00: LUGAR 25: MOLINO ROJO
8:00: LUGAR 25: MOLINO ROJO
HOMENAJE A LA ACTRIZ ISABELLE HUPPERT
5:00: SÁLVESE QUIEN PUEDA
8:00: SÁLVESE QUIEN PUEDA
L 15: 2:00: EL FLECHAZO
5:00: EL FLECHAZO
8:00: MADAME BOVARY
8:00: LA SEPARACIÓN
5:00: LA CEREMONIA
8:00: LA CEREMONIA
8:00: LA PIANISTA
8:00: ISABELLE HUPPERT, UNA VIDA PARA ACTUAR
MUESTRA DEL NUEVO CINE URUGUAYO
L 22: 8:30: INAUGURACIÓN CON EL FILME WHISKY Y EL DOCUMENTAL 50 AÑOS Y MÁS DE CINEMATECA URUGUAYA (*) (por invitación y para asociados)
Ma 23: 2:00: Ácratas / Memorias de Mujeres
5:00: 25 WATTS / Reportaje al Archivo Fílmico
8:00: 25 WATTS / Reportaje al Archivo Fílmico
Mi 24: 2:00: Por esos ojos / Donde había la pureza implacable del olvido
8:00: MALA RACHA / El jefe y el carpintero / Navidad Caribeña
8:00: LA ESPERA / Memorias de Mujeres
5:00: EL DIRIGIBLE / El jefe y el carpintero / Navidad Caribeña
5:00: EL VIAJE HACIA EL MAR / Idea
SALA DE VÍDEO CHARLOT
JOHNNY WEISSMULER, EL TARZÁN IDEAL
8:00: TARZÁN Y SU COMPAÑERA
Ma 9: 2:00: LA FUGA DE TARZÁN
5:00: LA FUGA DE TARZÁN
8:00: LA FUGA DE TARZÁN
8:00: TARZÁN Y SU HIJO
J 11: 2:00: EL TESORO DE TARZÁN
5:00: EL TESORO DE TARZÁN
8:00: EL TESORO DE TARZÁN
5:00: EL PERFUME (HISTORIA DE UN ASESINO)
8:00: EL PERFUME (HISTORIA DE UN ASESINO)
L 15: 2:00: EL PERFUME (HISTORIA DE UN ASESINO)
5:00: EL PERFUME (HISTORIA DE UN ASESINO)
8:00: EL PERFUME (HISTORIA DE UN ASESINO)
J 18: 2:00: TRANSAMÉRICA
5:00 TRANSAMÉRICA
HUMPHREY BOGART, UN TIPO DURO DEL CINE (I)
8:00: CALLEJÓN SIN SALIDA
8:00: AMARGA VICTORIA
L 22: NO HAY FUNCIÓN
Ma 23: 2:00: HÉROES OLVIDADOS
5:00: HÉROES OLVIDADOS
8:00: HÉROES OLVIDADOS
Mi 24: 2:00: LA PASIÓN CIEGA
8:00: CASABLANCA
8:00: SAHARA
5:00: EL SUEÑO ETERNO
(*) Minúsculas: Documentales, cortos de ficción y animados.
¡Bienvenidos a los programas de la Cinemateca de Cuba!
El programa de la Cinemateca de Cuba que abre el año 2007 esperamos que satisfaga sus expectativas. El mes de enero comienza con la conclusión del ciclo acerca de los mejores musicales norteamericanos de todos los tiempos, y a continuación presentaremos el homenaje a la actriz francesa Isabelle Huppert, que lo integra un grupo de importantes películas protagonizadas por esta excelente intérprete, así como una exposición de fotos que mostraremos en el vestíbulo del Chaplin. Porsteriormente tendrá lugar en nuestra sala y por primera vez en la Cinemateca de Cuba, un ciclo dedicado a la cinematografía uruguaya, Muestra del Nuevo Cine Uruguayo, con más de 30 títulos contemporáneos: filmes y cortos de ficción, documentales de corto y largo metraje y animados. Está auspiciada por el Instituto Nacional del Audiovisual, la Cinemateca Uruguaya, el Ministerio de Relaciones Exteriores y la embajada de ese país en Cuba, y se rendirá homenaje a los 55 años de la Cinemateca Uruguaya y a su director, el señor Manuel Martínez Carril, quien estará junto a nosotros para presentar la Muestra. También se rendirá un homenaje al desaparecido realizador Juan Pablo Rebella.
La Sala de Video Charlot, por su parte, pondrá a disposición de ustedes un ciclo acerca de dos actores, Johnny Weissmuller, recordado protagonista de las mejores cintas de Tarzán, y el legendario Humphrey Bogart, así como dos estrenos: Transamerica y El Perfume. .
Recuerden que continúan las funciones a las 2 de la tarde, lo que les permitirá disfrutar más y mejor de nuestras propuestas.
Los esperamos.
AMR
Salvo expresa indicación, en la Cinemateca sólo se admiten mayores de 16 años. Los niños y adolescentes tienen a su disposición la Cinemateca Infantil y Juvenil en el cine 23 y 12, todos los sábados a las 5:00 p.m.
Las taquillas del Chaplin estarán abiertas 30 minutos antes de cada función y cerrarán 5 minutos antes de cada función. Una vez comenzada la proyección de un filme no se permitirá el acceso a la sala. Se ruega al público que una vez terminada cada función deje libre la sala para la tanda siguiente. La Cinemateca se reserva el derecho de alterar los programas u horarios en caso de necesidad. Salvo que se indique lo contrario, la entrada en la Cinemateca no requiere de permiso, pase o invitación alguna, y se efectuará mediante el abono correspondiente en taquilla.
LOS 25 MEJORES MUSICALES NORTEAMERICANOS: ENCUESTA DE A.F.I. (II)
LUGAR 15: SOMBRERO DE COPA / Top Hat / Mark Sandrich (99’) EE.UU., 1935 / s.t. españoles / Fred Astaire, Ginger Rogers, Edward Everett Horton, Helen Broderick, Eric Blore. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. La eterna melodía Mejilla con mejilla (Cheek To Cheek) y otras no menos memorables del compositor Irving Berlin presiden la banda sonora de Sombrero de Copa, representativo ejemplo de la pareja más célebre del cine musical norteamericano, la de Fred Astaire y Ginger Rogers, quienes encarnan aquí, respectivamente, al artista del espectáculo Jerry Travers y a su linda vecina de hotel Dale Tremont. Jerry enamora a Dale, pero ella cree que él está casado con su mejor amiga... Esta comedia de enredos y buenos números musicales contó con guión de Dwight Taylor y Allan Scott, quienes adaptaron la pieza de Alexander Farago y Aladar Laszlo. Excelente. Estreno en Cinemateca.
LUGAR 16: FUNNY, LA GRACIOSA / Funny Girl / William Wyler (151’) EE.UU., 1968 / Barbra Streisand, Omar Shariff, Kay Medford, Anne Francis. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. La única persona que piensa que la feúcha de Fanny triunfará en la vida es su madre. De hecho, consigue el éxito cuando el manager del Keney's Music Hall la contrate como comediante. Al cabo de un año, Fanny causa furor en las Ziegfeld Follies y se enamora de un apuesto galán en lo que será una tormentosa relación. Así este filme cuenta la historia de la superstar de Broadway Fanny Brice, en esta biografía, no muy fiel que digamos, de la diva. Barbra Streisand está deliciosa en éste, su debut cinematográfico, y hay números memorables. Ocho nominaciones al Oscar; lo recibió Barbra Streisand (compartido), quien además ganó el Globo de Oro. En Cuba se tituló Una chica divertida.
LUGAR 17: BRINDIS DE AMOR / The Band Wagon / Vincente Minnelli (111’) EE.UU., 1953 / s.t. españoles / Fred Astaire, Cyd Charisse, Oscar Levant, Nanette Fabray. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Tony Hunter, famoso bailarín y cantante, ha pasado de moda. Pero sus amigos Lily y Les tienen una idea para que él protagonice un show en Broadway, lo que le llena de entusiasmo. El plan se complica cuando un egocéntrico director insiste en hacer una versión de Fausto con una bailarina de ballet, Gabrielle, como coestrella del espectáculo junto a Tony. Y para empeorar las cosas, Gabrielle y Tony se caen mal a primera vista… Excelente comedia musical con inolvidables números a cargo de la pareja protagónica, realizada por un experto del género, Vincente Minnelli. Tres candidaturas al Oscar. Esta cinta se llamó en Cuba Brindis al amor.
LUGAR 18: TRIUNFO SUPREMO / Yankee Doodle Dandy / Michael Curtiz (126’) EE.UU., 1942 / s.t. españoles / James Cagney, Joan Leslie, Walter Huston, Irene Manning, Rosemary DeCamp, Richard Whorf. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. «Soy un sujeto común que sabe que es lo que le agrada a la gente común». Así se definía a sí mismo George Michael Cohan, famoso compositor, cantante, bailarín, productor y director de espectáculos, en esta biografía cinematográfica. Quien sería ampliamente conocido por canciones como Over There y Mary, era descendiente de irlandeses, actuó junto a sus queridos padres y hermana durante muchos años a través de todo el país, y a golpe de esfuerzos se abrió paso en el mundillo de Broadway, donde estrenaría obras muy populares, exaltadoras de íconos nacionales, en tiempos de la Primera Guerra Mundial. Estreno en Cinemateca.
LUGAR 19: UN DIA EN NUEVA YORK / On the Town / Gene Kelly y Stanley Donen (98´) EE UU, 1949 / subtítulos en inglés / Gene Kelly, Frank Sinatra, Vera-Ellen, Betty Garrett, Ann Miller. DVD, Colores, Sonido Estereofónico. Tres marinos tienen un permiso de un día y se proponen conocer Nueva York y encontrar el amor soñado. El primer filme en conjunto de Kelly y Donen resultó un gran musical por su partitura y sus números de danza. Ofrece además, una alegría de vivir contagiosa y se constituye en homenaje a la gran ciudad. Basado en el musical de Adolph Green y Betty Comden a partir de una idea de Jerome Robbins, con música de Leonard Bernstein y canciones de Bernstein, Green y Comden.
LUGAR 20: BRILLANTINA / Grease / Randal Kleiser (110’) EE.UU., 1978 / s.t. españoles / John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Bien realizada comedia musical, basada en una pieza muy popular de Broadway, y filmada al año siguiente de Saturday Night Fever, que narra una historia de amores juveniles situada en los años cincuenta. Esta imaginativa y divertida cinta ofrecía pegajosas canciones que se harán muy populares como You’re the One That I Want, Hopelessly Devoted to You y la canción del título, a cargo de Frankie Valli. La coreografía corrió a cuenta de Patricia Birch, quien debutará como directora con una secuela de este filme, Grease 2 (1982) de inferior calidad a su predecesor. En Cuba este filme también es conocido con el título de Vaselina.
LUGAR 21: SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS / Seven Brides for Seven Brothers / Stanley Donen (103’) EE.UU., 1954 / s.t. españoles / Howard Keel, Jane Powell, Jeff Richards, Russ Tamblyn, Tommy Rall, Virginia Gibson. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Excelente musical escrito por Albert Hackett, Frances Goodrich y Dorothy Kingsley a partir de la obra The Sabbin Women de Stephen Vincent Benet, sobre un grupo de rudos leñadores que, siguiendo el ejemplo de su hermano mayor, desean conseguir una linda novia de cualquier forma. Dinámica, divertida, y bien actuada, cantada y bailada. Partitura de Johnny Mercer y Gene DePaul con dirección musical de Adolph Deutsch y Saul Chaplin, quienes ganaron el Oscar. Luego se convirtió en una serie de televisión y en un musical de Broadway. «Versión del Rapto de las Sabinas con el humor y la alegría impetuosa del realizador más apreciado en el género musical» (Carlos Aguilar).
LUGAR 22: LA BELLA Y LA BESTIA / Beauty and the Beast / Gary Trousdale y Kirk Wise (85´) EE. UU., 1991/ en español / DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Versión de la compañía Walt Disney de este cuento clásico acerca de una linda joven que es apresada por una bestia en su castillo. Sólo el amor podrá redimir a la bestia, en realidad un príncipe, del hechizo de que fue víctima. Este fue el primer largometraje animado en recibir una nominación al Oscar a la mejor película del año y conquistó dos estatuillas: mejor partitura y canción.
LUGAR 23: ELLOS Y ELLAS / Guys and Dolls / Joseph L. Mankiewicz (150’) EE.UU., 1955 / s.t. españoles / Marlon Brando, Jean Simmons, Frank Sinatra, Vivian Blaine, Stubby Kaye. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Nathan Detroit, rey del juego ilegal de dados en Nueva York, necesita fondos para efectuar su próximo negocio y hace una apuesta con otro profesional, el seductor “Cielo” Masterson: si éste no logra conquistar a Sara, sargenta del Ejército de Salvación, en veinticuatro horas, pagará mil dólares a Nathan…Lujosa versión fílmica de un célebre musical de Broadway con un elenco presidido por el astro Marlon Brando, en su única incursión en el género, a quien acompañan varios intérpretes de la pieza original. Música de Frank Loesser.
LUGAR 24: MAGNOLIA / Show Boat / George Sydney (107’) EE.UU., 1951 / s.t. españoles / Kathryn Grayson, Ava Gardner, Howard Keel, Joe E. Brown, Marge y Gower Champion. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Finales del siglo XIX. Un barco teatro, que navega por el río Mississippi rumbo a New Orleans, atraca en un pequeño pueblo para ofrecer su alegre espectáculo. Pronto Magnolia, hija del capitán de la nave, deberá sustituir a la hermosa Julie LaVerne, mestiza acusada de estar casada con un blanco. Un apuesto jugador se ofrece para cantar junto a Magnolia en las funciones previstas… Tercera versión de este afamado musical de Broadway de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II, a partir de la novela de Edna Ferber, adaptado previamente a la pantalla en 1929 y 1936, y filmado ahora en Technicolor, con un reparto encabezado por los actores-cantantes Kathryn Grayson y Howard Keel, así como Ava Gardner —cuya voz fue doblada por Annette Warren—, llamada con justicia ”el animal más bello del mundo”. Canciones como Bill, Make Believe y Old Man River, adornan la banda sonora de esta cinta nominada al Oscar en dos categorías que contó con guión de John Lee Mahin y coreografía de Robert Alton.
LUGAR 25: MOLINO ROJO / Moulin Rouge! / Baz Luhrmann (128’) EE.UU-Australia, 2001 / s.t. españoles / Nicole Kidman, Ewan McGregor, John Leguizamo, Jim Broadbent. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. La historia de amor entre la máxima estrella del legendario cabaret Moulin Rouge (Kidman) y un pobre escritor en el París de 1900 (McGregor) es el centro de este dinámico y peculiar musical en el que el director australiano Baz Luhrmann (Strictly Ballroom) desarrolla una acelerada puesta en escena, por momentos de matiz expresionista, acompañada de un pastiche de canciones contemporáneas. Un alarde de visualidad muy al gusto actual que poca relación guarda con las normas del musical tradicional. De ahí la disparidad de criterios en cuanto a sus resultados. Ganó premios Oscar a la dirección artística y al vestuario.
HOMENAJE A LA ACTRIZ ISABELLE HUPPERT
Poseedora de infinitas posibilidades en el arte interpretativo, que le han convertido en una de las más destacadas actrices de Francia y del mundo, la gran Isabelle Huppert, nacida en París el 16 de marzo de 1953, se formó en los conservatorios de París y Versalles como sobresaliente alumna de arte dramático, y una vez graduada emprendió una brillante carrera como actriz teatral.
Comenzó a trabajar en el cine a los 18 años, en 1971, en filmes para la televisión, y llamó la atención con su breve pero recordada aparición en Les valseuses (1974) del director Bertrand Blier. El destino de un amor (La dentellière, 1977), del suizo Claude Goretta, la da a conocer definitivamente en Francia y le vale su primera nominación como actriz principal en los premios César, y Violette Noziere (1978), del realizador Claude Chabrol, la consagra como una de las más sobresalientes intérpretes de la pantalla francesa.
A comienzos de la década del ochenta, Huppert obtuvo una notable reputación al utilizar su nombre e influencia para llevar a buen término proyectos cinematográficos arriesgados, lo que hará posible que vean la luz filmes como Sauve qui peut (la vie) (1980) de Jean-Luc Godard, La Truite (1982) de Joseph Losey y Signé Charlotte (1985) de su hermana Carolina Huppert.
Inolvidable protagonista de personajes clásicos como La dama de las camelias o Madame Bovary, con igual talento para representar complejos personajes contemporáneos (la Erika de La Pianista, por ejemplo), Huppert ha trabajado a las órdenes de los más exigentes directores europeos en una extensa filmografía cercana a los noventa títulos. Además de Godard y Losey, podría citarse a Maurice Pialat, Bertrand Tavernier, François Ozon, Michael Haneke y, especialmente, Claude Chabrol, para quien ha interpretado algunos de sus mejores filmes de las últimas décadas.
Huppert ha recibido los mayores galardones a que pueda aspirar una actriz europea. Ha sido candidata al premio César en trece oportunidades, recibiéndolo por La ceremonia (La cérémonie, 1994) de Chabrol, ha obtenido importantes distinciones de las Academias Europea y Británica, y le han otorgado premios en los Festivales Internacionales de Cannes, Berlín, Venecia, Montreal, Moscú y San Sebastián.
La Cinemateca de Cuba se honra con este homenaje a Isabelle Huppert, que comprende diez filmes significativos de su carrera y una exposición de fotografías, programa de excepción a disposición de ustedes gracias a la Alianza Francesa de Cuba, luego de mostrarse en diversas ciudades del mundo como París, Nueva York, Berlín, Tokio, Roma, Madrid, Londres, Río de Janeiro y Beijing.
AMR
De todas las actrices contemporáneas, Isabelle Huppert es la que ha demostrado más audacia en sus elecciones, tanto en el cine como en el teatro, guiada por su inteligencia y una buena intuición. Su fuerte carácter siempre la ha orientado hacia los caminos más riesgosos. Y es esto lo que nos seduce, al igual que su determinación casi infantil de forjarse un destino de actriz. Le gusta provocar el encuentro con los más variados cineastas haciéndoles creer que ellos la han escogido cuando, lo más frecuente, es que sea ella quien los escoja. Isabelle Huppert no engaña, no miente, pero hace que la crean…Su horizonte de actriz no se limita al cine francés, sino que se extiende a toda Europa y al resto del mundo. Y es que no le teme a nada.
Aun llevando una carrera ejemplar en nombre de la alta idea que tiene del cine, Isabelle Huppert no renuncia por ello a vivir su vida. Forma parte del mundo, sabe observarlo y aprehenderlo y nos convida permanentemente a compartir su intimidad. Isabelle posee el muy sofisticado arte de invitarnos lo más cerca posible de ella al tiempo que mantiene una distancia. No confunde intimidad con familiaridad, matíz que el mundo mediático actual ignora o maltrata con frecuencia. Y es en el interior de este espacio que la interpretación (pero también el yo íntimo y secreto) puede nacer e instalarse, tomar forma y hacer su trabajo.
La respuesta a cómo Isabelle Huppert se pone al servicio del personaje que encarna siempre es extremadamente misteriosa. Metamorfosis. Vampirismo cool. Vínculo de hermandad natural entre ella y su doble. Nunca hay violencia ni esfuerzo, ya que la frontera que la separa del personaje es invisible, y se sitúa cada vez dentro de la actriz. De esta forma, Isabelle Huppert obliga al espectador a mirar el interior del alma, el interior del cuerpo, el interior de los silencios o de los blancos de su interpretación. Si la actriz es quien capta la luz, la de Isabelle está dentro de su ser. Lo que ella le pide al espectador, primero se lo impone evidentemente a sí misma, por lo que sólo acepta un papel cuando se siente capaz de habitarlo, de apropiárselo. Cuerpo y alma. Con Isabelle Huppert, el cine es únicamente misterio. Fiel a su origen mismo.
SERGE TOUBIANA
EL DESTINO DE UN AMOR / La dentellière / Claude Goretta (108’) Francia-Suiza, 1977 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Yves Beneyton, Florence Giorgetti, Anne-Marie Düringer, Renata Schroeter, Michel de Re, Monique Chaumette, Sabine Azéma. 35 mm., Colores. Pomme (Huppert), una muchacha de 19 años, reservada y silenciosa, es aprendiz de peluquera. Invitada a Cabourg por su exuberante amiga Marylène, Pomme inicia una relación con François, un estudiante que es tan tímido como ella e impresiona a la joven con sus conocimientos. De regreso a París se van a vivir juntos, pero cuando François la presenta a sus padres, la brecha social parece enorme y Pomme se aparta sin crear problemas… Esta película, que diera a conocer a Huppert en nuestro país cuando fuera estrenada en los circuitos comerciales, muchos años atrás, le permitió ganar el premio de la Academia Británica (BAFTA) a la mejor actriz novel, el premio italiano David di Donatello a la mejor actriz extranjera y recibir su segunda nominación al premio francés Cesar. Estreno en Cinemateca.
SÁLVESE QUIEN PUEDA / Sauve qui peut (la vie) / Jean-Luc Godard (88’) Francia-Suiza, 1979 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Jacques Dutronc, Nathalie Baye, Fred Personne, Roland Amstutz, Cécile Tanner, Roger Jendly, Michel Cassagne. 35 mm., Colores. En esta cinta del iconoclasta director Jean-Luc Godard, una mujer, Denise Rimbaud, deja su trabajo en la televisión para volver a disfrutar del aire de montaña. Su amigo Paul teme dejar la ciudad y también que Denise lo abandone. Una campesina llamada Isabelle (Huppert), que llega a la ciudad para vender su cuerpo, se presenta a alquilar el apartamento que Denise va a dejar. Paul se encuentra entre estas dos mujeres, cerca de un lago de montaña… Este filme participó del Festival de Cannes de 1980 y recibió tres nominaciones para el premio Cesar (película, director), ganando la distinción la actriz de reparto Nathalie Baye. Estreno en Cuba.
LOULOU / Maurice Pialat (110’) Francia, 1980 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Gérard Depardieu, Guy Marchand, Humbert Balsan. 35 mm., Colores. Nelly (Huppert), la esposa burguesa de un publicista, tiene una historia pasional con Loulou, pequeño delincuente cuya vulgaridad y potencia sexual la seducen. Sin romper sus relaciones con un marido quejumbrón, Nelly planea vivir con Loulou, quien le promete trabajar por el niño que están esperando… Excelentes actuaciones de Depardieu y Huppert, quien conquistaría una nueva candidatura al premio Cesar. El filme y la actuación del actor secundario Guy Marchand también recibieron nominaciones. Estreno en Cuba.
EL FLECHAZO / Coup de Foudre / Diane Kurys (113’) Francia, 1983 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Miou Miou, Guy Marchand, Jean-Pierre Bacri, Robin Renucci, Patrick Bauchau, Christine Pascal, Dominique Lavanant, Denis Lavant, Nils Tavernier, François Cluzet. 35 mm., Colores. Tercera cinta de la actriz Diane Kurys, convertida en una importante realizadora. En esta oportunidad la directora de Un hombre enamorado se acerca a las interioridades del universo femenino y cuenta la historia de dos mujeres casadas, Lena (Huppert) y Madeleine, que aburridas de sus respectivos esposos entablan una amistad cada vez más devoradora, lo que inspira celos al marido de Lena. Cuando Madeleine se marcha de Lyon para París, le pide a Lena que se vaya con ella... Filme ganador del premio FIPRESCI en el Festival de San Sebastián; nominado para el Oscar al mejor filme extranjero. La directora Kurys ganó el Premio de la Academia Nacional de Cine de Francia, y la cinta alcanzó cuatro candidaturas al Cesar.
MADAME BOVARY / Claude Chabrol (140´) Francia, 1991 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Jean François Balmer, Christophe Malavoy, Jean Yanne, Christiane Minazzoli, Jean-Louis Maury, François Perier, Florent Gibassier. 35 mm., Colores. 1837. Emma (Huppert), hija de un rico granjero, contrae matrimonio con Charles Bovary, un médico de la campiña normanda. De carácter idealista y novelesco, ésta pierde rápidamente sus ilusiones de felicidad por la tosquedad de los pequeñoburgueses normandos y se convierte en la amante de un gentilhombre de las cercanías… El clásico literario de Gustave Flaubert en una adaptación del veterano realizador Claude Chabrol, con un reparto presidido por la estelar Isabelle Huppert, quien ganó por este trabajo el premio San Jorge de Plata en el Festival Internacional de Moscú. La cinta fue nominada al Globo de Oro al mejor filme extranjero.
LA SEPARACIÓN / La séparation / Christian Vincent (88’) Francia, 1994 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Daniel Auteuil, Karin Viard, Jerôme Deschamps, Laurence Lerel, Louis Vincent, Nina Morato, Frédéric Gélard. 35 mm., Colores. Es la historia de dos separaciones. Primero, la de Pierre y Anne (Huppert). El primer signo aparece cuando ella rehusa tomar la mano de él en el teatro. Otras señales aparecen hasta que Anne confiesa que tiene un amante. La pareja habla, se explica, trata de salvar un amor que se ha ido deteriorando con el paso de los años. La separación es más difícil por la presencia del pequeño hijo de ambos... Un dato curioso sobre este filme, basado en la novela homónima de Dan Franck, es que lo iba a interpretar Juliette Binoche, pero tuvo que ser reemplazada por Huppert debido a que quedó embarazada. Tanto Huppert como Daniel Auteil recibiron candidaturas para los premios Cesar de interpretación.
LA CEREMONIA / La cérémonie / Claude Chabrol (111’) Francia-Alemania, 1995 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Sandrine Bonnaire, Jacqueline Bisset, Jean-Pierre Cassel, Virginie Ledoyen, Valentin Merlet, Julien Rochefort. 35 mm., Colores. Una mañana, en la estación de St. Malo, Madame Lelièvre recoge a Sophie, su nueva ama de llaves. La chica trabaja fuerte pero su aparente falta de emociones le hace un tanto extraña. Jeanne (Huppert), empleada del correo local, curiosa y desinhibida, ve en Sophie la persona ideal para husmear en casa de Madame Lelièvre, y surge entre ella y Sophie una relación en la que se confían secretos íntimos. Esta alianza se convierte en una rebelión salvaje, más allá del bien y del mal... «Bonnaire y Huppert ofrecen una de las mejores interpretaciones de sus carreras» (Lietta Tornabuoni) «El dúo Sandrine-Huppert es de una habilidad alucinante» (Tulio Kezich). Copa Volpi (premio a la mejor interpretación femenina) del Festival de Venecia de 1995 a Isabelle Huppert y Sandrine Bonnaire; Premio Lumière de París 1996 y Premio César 1996 (mejor actriz) a Isabelle Huppert. Basado en la novela de Ruth Rendell.
SAINT-CYR / Patricia Mazuy (119’) Francia-Reino Unido, 1999 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Morgane Moré, Nina Meurisse, Jean-Pierre Kalfon, Simon Reggiani, Anne Marev, Jérémie Renier, Jean-François Balmer. 35 mm., Colores. En las postrimerías del siglo XVII, Anne de Grandcamp y Lucie de Fontenelle, dos pequeñas normandas, ingresan en el colegio de Saint-Cyr, creado por Madame de Maintenon (Huppert) para educar a las jóvenes de la nobleza arruinada por las guerras y convertirlas en mujeres libres. Pero, tras una vida de humillación e intrigas, Madame de Maintenon le teme a las llamas del infierno, por lo que se encomienda a un eclesiástico para que la escuela vuelva al camino de la pureza, así deba renegar a su promesa de libertad… Adaptación fílmica de la novela de Yves Dangerfield. Estreno en Cinemateca.
LA PIANISTA / La pianiste / Michael Haneke (130’) Francia-Austria, 2000 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Benoît Magimel, Annie Girardot, Anna Sigalevitch, Susanne Lothar, Udo Samel, Cornelia Köndgen. 35 mm., Colores. Erika Kohut (Huppert), de unos cuarenta años, es una honorable profesora de piano en el Conservatorio de Viena. Ella lleva una vida de solterona en casa de su vieja y posesiva madre, y da rienda suelta a su sexualidad desenfrenada espiando a los demás y frecuentando en secreto los espectáculos y cines pornográficos. Un día Walter, un alumno de unos veinte años, se enamora de ella. De este afecto nace una relación inquietante, tormentosa y perversa entre la maestra y su discipulo. Esta cinta recibió en el Festival de Cannes el Premio Especial del Jurado y las distinciones correspondientes para sus actores Benoît Magimel e Isabelle Huppert, quien ganó además el premio a la mejor actriz europea del año. Ella también fue candidata al premio Cesar, pero esta distinción la ganaría Annie Girardot en el apartado de mejor actriz de reparto. Uno de los filmes más célebres del director austriaco Michael Haneke, establecido en Francia y autor de Funny Games, Código Desconocido y Caché. Estreno en Cuba.
LA VIDA PROMETIDA / La vie promise / Olivier Dahan (93’) Francia, 2001 / s.t. españoles / Isabelle Huppert, Maud Forget, Pascal Gregory, André Marcon, Fabienne Babe. 35 mm., Colores. Sylvia (Huppert), una mujer joven que se prostituye en Niza, tiene una difícil relación con su hija Laurence. Obligadas a escapar, inician una huida en búsqueda del primer marido de Sylvia, con el que tuvo un hijo. Su camino se cruza con el de Joshua, un hombre en libertad provisional que ha decidido no volver a la cárcel…Esta película participó en la competición oficial del Festival Internacional de San Sebastián. Estreno en Cuba.
ISABELLE HUPPERT, UNA VIDA PARA ACTUAR / Isabelle Huppert, une vie pour jouer / Serge Toubiana (52’) Francia, 2001 / s.t. españoles / Documental. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Durante un todo un año, Serge Toubiana siguió a Isabelle Huppert, y el resultado es este documental, una suerte de “album de fotos” personal de la actriz. Vemos imágenes de su infancia tomadas por su familia, importantes momentos de su carrera profesional, fragmentos de entrevistas, escenas de ensayos, secuencias de sus películas, y paseos por la calle en los que no es reconocida por los transeúntes. Un acercamiento muy cercano a la maravillosa intérprete, una mujer discreta que en este retrato íntimo nos ofrece sus emociones y muestra su inmenso amor a una profesión que le ha brindado todos los reconocimientos posibles. Extraordinario. Estreno en Cuba.
MUESTRA DEL NUEVO CINE URUGUAYO
WHISKY / Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll (95’) Uruguay-Argentina-Alemania-España, 2004 / Andrés Pazos, Mirella Pascual, Jorge Bolani, Ana Katz, Daniel Hendler, Verónica Perrotta. Colores. Segundo largometraje del dúo integrado por Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, autores de 25 watts. Su personaje central es Jacobo Köller, un comerciante judío y solterón. Su empresa, una modesta fábrica de medias, está en franca decadencia, como su propia vida. Los días de Jacobo transcurren sin sobresaltos, marcados por una rutina insalvable. Marta es la encargada de la fábrica, y participa de una rutina tan agobiante como la de su empleador. Este estado se verá sacudido cuando llegue a Montevideo Herman, el hermano menor residente en Brasil, dueño también de una fábrica de medias, pero aparentemente exitoso, y con una familia constituida. Marta, a pedido de Jacobo, se hará pasar por su esposa, pero la estadía de Herman se prolongará más de lo previsto, lo que dará lugar a un cuidadosamente dosificado despliegue de tensiones entre los integrantes de este extraño triángulo. Una comedia levemente absurda sobre la soledad, que mezcla en ajustadas dosis melancolía y un tipo de humor agazapado, por instantes pleno de situaciones inverosímiles, con una puesta en escena impecable, ajustada dirección de arte, excelente fotografía y un rendimiento formidable de sus tres protagonistas. Premio de la Crítica y Premio Un Certain Regard en Cannes 2004; -Mejor Guión y Mejor Actuación Femenina en Festival Elcine de Lima 2004; -"Kikitos": Mejor Película y premio del Público en Gramado 2004; -Primer premio y Premio a la Mejor Actriz en el Festival Internacional de Tokio; -Mejor película en la edición 2004 del Chicago International Film Festival; -Mejor Guión y mejor actuación femenina en Festival de Salónica (Grecia); -Mejor Película y mejor director en el Festival de Huelva; Primer Premio Coral en La Habana, Cuba; -Premio Goya a la Mejor Película Extranjera en España.
50 AÑOS Y MAS DE CINEMATECA URUGUAYA / Federico Veiroj (19’) Uruguay, 2002-3. Documental. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Una suerte de historia de la Cinemateca Uruguaya, una de las más importantes de América Latina, desde su fundación en 1952 hasta el presente. En este documental aparecen algunos de sus fundadores, testimonios sobre esta institución que dirige Manuel Martínez Carril, y se realiza un recorrido por sus principales áreas. (AMR)
ÁCRATAS / Virginia Martínez (73’) Uruguay, 2000 / Documental. Colores. Entre los
inmigrantes europeos llegados al Río de la Plata a fines del siglo XIX y a
principios del siglo XX, llegaron los primeros anarquistas, y entre éstos, un
grupo minoritario que se autoproclamaba "anarquistas expropiadores": se oponían
a la organización sindical, a las huelgas, etc. como formas de lucha social,
ellos preferían el combate directo: asaltos siempre sangrientos y asesinatos
para lograr la financiación de la revolución. Fueron duramente reprimidos y
aniquilados, fundamentalmente por los gobiernos militares argentinos.
Este largometraje documental con guión y dirección de Virginia Martínez sobre investigación de Alicia de Oliveira Madeira y fotografía de Daniel Cheico, repasa la historia de estos anarquistas expropiadores, comenzando con la organización primaria en la "Siberia argentina", la famosa cárcel de Ushuaia, y centrándose luego en la legendaria figura de Miguel Arcángel Roscigna, autor intelectual y brazo ejecutor del célebre asalto al Cambio Messina que estremeció a toda la sociedad montevideana, y participante activo de la increíble fuga del Penal de Punta Carretas. Para la reconstrucción de la historia de Roscignia y sus cómplices, la realizadora ordena eficazmente material de archivo, testimonios de sobrevivientes, familiares, historiadores y protagonistas de la ‘otra’ fuga de Puntas Carretas (la de los tupamaros en setiembre de 1971). El conjunto exhibe una solidez considerable, que confirma a Virginia Martínez como la documentalista más importante del panorama audiovisual actual, y concreta lo que algún crítico ha dado en llamar "una apasionante lección de historia."
MEMORIAS DE MUJERES / Virginia Martínez (30’) Uruguay 2005. Documental. Colores. El Penal de Punta de Rieles fue el lugar donde estuvieron detenidas entre 1973 y 1985 la mayoría de las presas políticas de la dictadura cívico-militar uruguaya. Para llegar hasta el edificio de ladrillo rodeado de flores, más que decoroso, casi confortable, se recorría un camino bordeado por la “pradera” donde pastaban animales. No era posible percibir a primera vista la lucha sorda que encerraban esos muros. El documental intenta reconstruir la vida en el Penal tal como es recordada hoy por algunos de los cientos de mujeres que allí estuvieron y resistieron a la pretensión de los militares de destruirlas física, psíquica e ideológicamente.
25 WATTS / Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll (92’) Uruguay, 2001 / Daniel Handler, Jorge Temponi, Alfonso Tort, Valentín Rivero. Blanco y Negro. El rodaje se completó en veinte días en el transcurso del año 1999, con fotografía en 16 mm. (ampliada luego a 35 mm.) y película blanco y negro, y el estreno mundial tuvo lugar en Rotterdam, en el marco del Festival Internacional de Cine. Con estos antecedentes poco usuales, el resultado no podía ser menos que sorprendente: 25 Watts obtuvo el primer premio (Tiger Award) del mencionado Festival y un premio especial del jurado joven en reconocimiento a la calidad de esta ópera prima de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella. Adhiriendo a un estilo que recuerda por momentos a Jim Jarmusch o a los primeros trabajos del argentino Raúl Perrone, los directores proponen una película en la que literalmente no pasa nada: tres amigos se aburren un domingo de tarde, buscan inútilmente darle algún sentido a sus existencias, pero todas las ideas que surgen son de cortísimo alcance, "de 25 watts". Con mucho humor y sin acartonamiento, el retrato de veinticuatro horas en la vida de estos tres muchachos de barrio se convierte en una detallada radiografía de un entrañable microcosmos montevideano, y lo hace con franqueza, sin adjetivar ni juzgar, con mero espíritu expositivo, alejado del fatalismo y la moralina. La precisión, sencillez y autenticidad en el cuadro social reflejado trasciende a la peripecia de los tres protagonistas, condenados a la inercia que sólo conduce al fracaso y dice mucho sobre una sociedad que abandona a los adolescentes, como abandona también a los viejos. En ese mundo sin mayores perspectivas, con progenitores ausentes o desentendidos, los pibes del barrio toman cerveza en la calle, se matan en alienantes sesiones de televisión, y sobreviven —muy a su manera— en un escenario poblado por una increíble galería de personajes de antología. Rebella y Stoll demostraron que sabían de sobra cómo se debe contar una historia aunque no haya precisamente una, y cómo manejar el "tempo" de una narración. Premio Coral de Opera Prima (exaequo) en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano; Premios del Jurado y del Jurado de la Juventud en Rotterdam, Festival del Cine Independiente de Buenos Aires premios de la crítica internacional y al elenco.
REPORTAJE AL ARCHIVO FÍLMICO (12’) Uruguay, 1998. Documental. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro / Colores. Filmado por personal del Archivo Fílmico de la Cinemateca Uruguaya, incluye varios testimonios sobre el trabajo especializado que allí se realiza, muestra su equipamiento técnico e imágenes antiguas de fines del siglo XIX y comienzos del XX.
POR ESOS OJOS / Gonzalo Arijón, Virginia Martínez (60’) Uruguay - Francia 1997. Documental. Colores. Narra los esfuerzos realizados por María Ester Gatti a lo largo de casi dos décadas para reencontrar a su nieta Mariana Zaffaroni, secuestrada junto a sus padres en Buenos Aires en 1976 por un comando militar argentino-uruguayo. La niña fue apropiada por un integrante de la inteligencia militar, y criada como hija propia. El documental reflexiona acerca de la identidad y el valor de la verdad, y se erige en veraz testimonio sobre la represión en el Río de la Plata durante las dictaduras militares de los años setenta. Filmado por la directora Virigina Martínez antes de Ácratas. Libreto, Gonzalo Arijón, Virginia Martínez. Fotografía, Pascal Soutra-Fourcade. Montaje, Laure Mazé. Música, Juan José Mozali. Premio Coral en el 19º Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Medalla de Bronce Documental de Creación en 38º Festival Internacional de Televisión en Monte Carlo, Mónaco.
DONDE HABÍA LA PUREZA IMPLACABLE DEL OLVIDO / Ricardo Casas (40’) Uruguay, 1998 / Documental. Colores. 20 años y pocos en la vida de una persona, en la vida de un país. Una generación que creció en la intolerancia, soportando enfrentamientos, censura, persecución, e irracionalidad. No importaba la gente sino las ideas. Se trata de la historia, entre 1962 y 1984, de Eduardo Darnauchans, un músico entrañablemente popular uruguayo y, por lo tanto, universal. Sus canciones, poesía pura, van narrando esa historia de vida, amor y muerte, de su familia, su patria, de sí mismo, con intervenciones de otros artistas amigos suyos. Las grabaciones, realizadas entre 1983 y 1998, nos permiten acompañarlo en recitales en vivo tanto como en entrevistas que registran al Darnauchans que sale de la censura para volver a la libertad. Guión del director; fotografía de José María Ciganda y edición de Guillermo Casanova.
UNA FORMA DE BAILAR / Álvaro Buela (70’) Uruguay, 1997 / Leonardo Lorenzo, María Elena Pérez, Diego Wajner, Susana Castro, Alejandra Wolf, Jenny Goldstein, María Mendive, Jenny Galván, Luis Orpi. Colores. Entre las veinte películas más taquilleras de Uruguay en 1997 entró por primera vez una realización nacional: Una forma de bailar, dirigida por Alvaro Buela. En un tono minimalista, cuenta una historia muy sencilla: un treintañero introvertido con amigo que se cree sabérselas todas, la mujer de éste por la que el primero comienza a sentirse atraído y poca cosa más. Además, como en toda película en la que aparentemente no pasa mucho, la pequeña anécdota se resuelve con un final bastante predecible.
Se señaló en su momento que el éxito de público y la buena aceptación de la crítica se apoyaron en la atmósfera escasamente trascendente que envuelve al film, quizás el mayor acierto de Alvaro Buela sea su capacidad para contar sin sobresaltos ni adornos intelectualizantes una historia lineal con personajes y escenarios muy identificables. Otro de los aciertos de la producción fue la contratación de un director de actores (el argentino Guillermo Ibalo) que supo emparejar el rendimiento de un elenco proveniente del medio teatral. Libreto, Alvaro Buela. Fotografía, Daniel Cheico. Montaje, Guillermo Casanova. Dirección artística, Inés OImedo. Música, Gabriel Casacuberta, Andrés Pérez Miranda.
FÁBRICA DE ENANOS / Diego Fernández (10’) Uruguay, 2004 / Corto de ficción. Colores. Blanca Nieves y un grupo de enanitos conversan entre sí en un jardín. Muy ingenioso y divertido.
EL COJONUDO / Federico Álvarez (16’) Uruguay, 2005 / Corto de ficción. Noelia Campo, Leandro Núñez, Walter Reino, Christian Zagia. Colores. Una pareja de jóvenes está atascada en una estación de gasolina en medio del campo. Un hombre mayor, perturbado por la falta de respeto de los jóvenes, empieza a contarles una leyenda que cualquier persona del campo uruguayo sabe; la pareja nunca había oído hablar de El Cojonudo. Premio al Mejor Cortometraje y Premio del Público en el Festival de Cine Fantástico Buenos Aires Rojo Sangre.
PALABRAS VERDADERAS / Ricardo Casas (54’) Uruguay-España, 2004 / Documental. Colores.
Ricardo Casas había dirigido en 1998 Donde había la pureza implacable del olvido, documental sobre la obra del cantante popular Eduardo Darnauchans. En el mismo estilo y con un notorio trabajo de investigación filmó, luego de por lo menos cuatro años de elaboración, este documental sobre la vida y la obra de Mario Benedetti. Invalorables materiales de archivo y los testimonios de Manuel Vázquez Montalbán, José Saramago, Idea Vilariño, Juan Gelman, Joan Manuel Serrat y Eduardo Galeano, dan forma y aportan a este tributo a Benedetti, escritor reconocido y hasta venerado por generaciones enteras, al tiempo que el propio Benedetti habla de su infancia en Colón, del exilio que lo llevó a España, del presente del Uruguay y del mundo, desde la perspectiva de sus lúcidos 84 años. Casas logró con este homenaje a uno de los más grandes escritores vivos de la lengua castellana un documental impecable. La banda sonora fue realizada por Carlos da Silveira, e incluye también canciones de Daniel Viglietti, de Eduardo Darnauchans, y la voz del actor argentino Miguel Angel Solá en la lectura de textos de Benedetti.
CANDOMBE / Hassen Balut, Silvestre Jacobi, Carlos Páez Vilaró (54’) Uruguay, ¿ / Documental. Colores. Candombe refleja el estilo de vida de una cultura afro-uruguaya que reside en Montevideo, capital de Uruguay. Esta cultura proveniente de esclavos africanos traídos a las costas del Río de la Plata viven en un ambiente de constante música y danza. Su música se basa en percusión a golpe de tambor y su danza la representan una serie de personajes típicos. El documental se interioriza en el mundo de esta gente y principalmente en sus más importantes y distinguidas figuras, pilares del Candombe actual.
EN LA PUTA VIDA / Beatriz Flores Silva (100’) Uruguay-Bélgica-España-Cuba, 2001 / Mariana Santangelo, Silvestre, Josep Linuesa, Andrea Fantoni, Rodrigo Speranza, Agustín Abreu, Fermi Herrero, Agustín Mazzarelli, Graciela Gelós, Graciela Escuder, Ana Castillo. Colores. Luego de un complicado montaje financiero que insumió varios años de trabajo, Beatriz Flores Silva logró concretar su segundo largometraje: En la Puta Vida. La película, con guión de la propia directora y la colaboración del húngaro János Kovács, recrea muy libremente la historia de la "chica de Milán", sonado caso policial que se instaló en los titulares de la prensa de Uruguay y de Italia y que culminó con el enjuiciamiento de integrantes de una red de proxenetas de ambos países, basándose en una serie de notas escritas por la periodista María Urruzola para el semanario Brecha y recopilados luego en un libro titulado El huevo de la serpiente. La película no intenta ser un testimonio ni pretende retratar con rigor documental el entorno social de las mujeres uruguayas que son explotadas sexualmente en el viejo continente, y cuenta una historia más o menos reconocible por todos los uruguayos: Elisa (interpretada por la actriz argentina Mariana Santángelo), una joven madre soltera, decide abandonar el hogar paterno junto con sus dos hijos, defraudada por su propia madre. Luego fracasa la relación con su amante-patrón, y de a poco decide incursionar en el mundo de la prostitución con el explícito objetivo de conseguir el dinero necesario para instalar una peluquería. Junto con una amiga, terminan ejerciendo en un prostíbulo regenteado por Doña Jackeline. Allí conocen a un tipo conocido como "El Cara" que les promete llevarlas a Europa… El rasgo más notable es el hábil manejo que hace la directora para llevar adelante una historia que comienza en paso de comedia, para luego internarse -sin que se note mucho la transición- en un terreno sumamente escabroso, logrando de paso, un rendimiento aceptable y por demás parejo de un elenco a priori heterogéneo. El interés del espectador se mantiene mediante la correcta dosificación de la tensión dramática y la inclusión de breves pero siempre eficaces salidas humorísticas. Festival de Bogotá, premio a mejor dirección, Colón de Oro en Huelva, Premio Radio Habana en La Habana, premio del público, actriz y película en Lleida, mención especial en el Festival de Miami.
NICO & PARKER / Diego Fernández y Manuel Nieto (12’) Uruguay, 2000 / Corto de ficción. Colores. Dos amigos en un auto, tres cervezas, mil desgracias y quizás una alegría. Es sábado por la noche, y Nico y Parker no tienen nada mejor que hacer que esperar fuera del departamento de Bomberos con la esperanza de que haya un llamado de emergencia para seguirlos. Varios premios y seleccionado para muchos festivales internacionales.
VIENTOS DE OCTUBRE / Adriana Nartallo y Daniel Amorin (94’) Uruguay, 2005. Documental. Colores.
Realizado por Adriana Nartallo y Daniel Amorin en video digital. En los días previos a las elecciones nacionales del 31 de octubre, los realizadores salieron a las calles de las ciudades de Las Piedras y Montevideo con la intención de recoger testimonios para un documental. Se encontraron con historias de vida, que volcaron luego en su proyecto. Estas biopics se desarrollan en la película en forma paralela como si se tratara de un verdadero trabajo de ficción, así, las personas se transforman en personajes, que protagonizando pequeñas historias, determinan diferentes visiones del país. Todo esto con las elecciones, la militancia y el fervor político que caracteriza a los uruguayos como telón de fondo.
Destacado trabajo de montaje, que alcanza su punto culminante en la secuencia de los festejos posteriores al triunfo del Frente Amplio en los alrededores del Palacio Legislativo.
LLAMADA PARA UN CARTERO / Brummell Pommerenck (64’) Uruguay, 2000 / Andrea Davidovics, Ariel Caldarelli, Sandra Américoi, Gabriela Iribarren. Colores. Llamada para un cartero es el primer largo de Brummell Pommerenck y una de las producciones uruguayas que mayor reconocimiento ha obtenido en festivales internacionales en los últimos tiempos: mejor película, mejor guión, mejor actuación femenina y premio de la Fundación Fernando Birri en el Festival Latinoamericano de Rosario, Argentina. El guión, escrito por el propio director, cuenta una historia que parte de una situación sumamente dramática: Laura, la esposa de un cartero, ha quedado paralítica como consecuencia de un accidente, y vive en una suerte de letargo depresivo, rehusándose a tomar contacto con el exterior. Luego, con una carga de humor negro bien dosificado y sin olvidar un exhaustivo retrato psicológico, la película cuenta cómo de la simple violación de correspondencia se puede llegar a la pretensión casi obsesiva por inmiscuirse en la vida del prójimo, al tiempo que salen a relucir otros traumas: la mujer mira películas pornográficas cuando su marido no está, también recibe a un masajista -siempre a escondidas- y maltrata a la empleada que la asiste. Como contrapartida en este juego de ocultamientos, Carlos, el cartero, engaña a su esposa con una clienta bastante desprejuiciada, y para complicar la historia, irrumpe en escena una herencia que también había permanecido oculta y más de un delincuente de vuelo corto que pretende apoderarse del dinero.
LA CUMPARSITA / Rosario y Pepe Infantozzi (22’) Uruguay, 2003 / Corto de Ficción / Fernando Diverio, Valentina Seijo, Dumas Lerena, Celia García. Colores. La historia de las horas de fiebre y dolor durante las cuales Gerardo Matos Rodríguez, un uruguayo de 20 años que no sabía escribir música, compone el tango más famoso del mundo, La Cumparsita.
APARTE / Mario Handler (91’) Uruguay, 2002 / Documental de largometraje. Colores. En los fermentales años sesenta, Mario Handler realizó Carlos, Elecciones, Me gustan los Estudiantes y Líber Arce, Liberarse, todos ellos documentos ineludibles a la hora de iniciar una aproximación a la realidad de aquellos tiempos. Ahora presenta este largometraje, Aparte, una forma revolucionaria de encarar un documental, determinante de un valioso testimonio en el contexto del devaluado documental latinoamericano. Es una película sobre las vidas de jóvenes marginados de la así llamada “sociedad del conocimiento”, más que meramente marginales económicos o sociales. El director nunca interviene con preguntas directas y tampoco hay una voz que comente. Toda la acción es vivida y vista, más que explicada. Las dificultades de encontrar un trabajo y de conseguir algún dinero, las tentaciones del crimen y sus duras consecuencias, la falta de cultura y del conocimiento de las bases de la vida, todo entremezclado en vidas paralelas… Los protagonistas de Aparte desarrollan conflictos que no llegan nunca a resolver, sencillamente porque sus vidas no tienen solución en el contexto actual; así desfilan por la pantalla hurgadores, pequeños delincuentes, prostitutas, enfermos de sida y hasta un adolescente que sólo sueña con viajar a los Estados Unidos. Ellos bailan, juegan al fútbol, se drogan con pegamento, uno maltrata un gato en la calle y otro se hace cortes frente a la cámara, todo esto sin que esa misma cámara se interponga entre el retrato y el espectador para mediar en el mensaje imponiendo algún tipo de valoración o atenuante. Resulta interesante y revelador la soledad de estos personajes marginados, que sólo se relacionan con el resto de la sociedad que los aparta a través de los consabidos mecanismos de control y por pautas de consumo impuestas que determinan necesidades que nunca van a ser satisfechas.
ESTRELLA DEL SUR / Luis Nieto (97’) Uruguay-España-Argentina-Francia, 2002 / Jean Pierre Noher, Roger Casamajor, Margarita Musto, Marina Glezer, Emiliano Lozano, Julia Castagno, Mariana Lucía. Colores. Tras un largo exilio, Gregorio Gamboa regresa a su país con la familia que formó en España. Atrás quedaron los sueños, tan enterrados como el secreto que guarda. En su época de guerrillero escondió una gran cantidad de armas y municiones en un terreno donde planea edificar su casa. ¿Es posible construir un hogar encima de un polvorín? Todo cambiará cuando confiese a su hijo el secreto. Libreto, Luis Nieto. Fotografía, Pierre Benzrihem. Dirección artística, Carolina Comas, Natalia Duré. Música, Gustavo Montemurro, Nicolás Ibarburu.
¿PUEDO LLAMARTE CARLITOS? / Danilo Iglesias (35’) Uruguay-EE.UU., 2000 / Andrés Rivarola, Clara Pérez, Sofía Verón, Vitelio Almeida, Gary Nicholson. Colores. Cuatro latinos, un argentino, un dominicano, una española y una uruguaya se conocen en una fiesta en Boston y deciden viajar juntos por las carreteras de Nueva Inglaterra en lo que comienza como un viaje de diversión y termina como una pesadilla. Nota: Los diálogos en inglés no están subtitulados. Mención Especial en el Festival de Cine del Uruguay.
MALA RACHA / Daniela Sperenza (65’) Uruguay, 2000 / Walter Speranza, Roberto Suárez, Mario Ferreira, Laila Reyes, Lidia Chipas, Rosana López. Colores. La película cuenta cuatro historias diferentes e independientes en las que los respectivos protagonistas hacen alarde de su irremediable mala suerte, y cuenta con la presencia de un maestro de ceremonias que da unidad al asunto, al tiempo que prueba su propia suerte en una sala de máquinas tragamonedas. Las historias contadas son sencillas y están resueltas con un gran sentido del humor y fina ironía: en la primera de ellas, titulada "Ejercicio de paciencia", una mujer agobiada desoye las propuestas de un extraño personaje, y se pierde así la promesa de un mundo pleno de riquezas. En la segunda, "Un fracasado cualquiera", Mario Ferreira da vida a un pobre tipo que tiene inconvenientes hasta en la hora de ejecutar su meticulosamente planificado suicidio. La tercera, titulada "Por cuestiones del momento", nos presenta un ama de casa superada por la rutina que intenta resolver sus problemas de convivencia de la peor manera posible; y la última cuenta una historia de amor inesperado que termina pronto y mal, por estrictas razones de geografía urbana.
EL JEFE Y EL CARPINTERO / Walter Tournier (13’) Uruguay, 2000 / Animación. Colores. Cuenta acerca de un excéntrico gobernador de una isla caribeña que aspira a ganar su lugar en la historia construyendo una torre tan alta que le permita tocar la luna. Sobre guión de Francisco Hinojosa, con música de Leonardo Croatto y Carlos Da Silveira y edición de Guillermo Casanova, la película obtuvo un premio en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano (La Habana, Cuba).
NAVIDAD CARIBEÑA / Walter Tournier (24’) Uruguay, 2001 / Animación. Colores. Producido originalmente por encargo de un canal de televisión británico para ser programado en la Navidad del 2001. El guión corrió por cuenta del propio Tournier y la participación de Carl McMullin y Penélope Middleboe, la música original es de Leonardo Croatto y Carlos Da Silveira y la edición de Guillermo Casanova. En una pequeña isla, el problema de abastecimiento de agua preocupa a sus habitantes, pero el gobernador está obsesionado por la celebración de la navidad que se aproxima y su postergado deseo de que caiga nieve para agradar a sus sobrinos llegados de Europa, pero sólo cuenta para realizar su fantasía con la creatividad y el ingenio del carpintero del pueblo.
LA ESPERA / Aldo Garay (65’) Uruguay, 2002 / Elena Zuasty, Verónica Perrota, Walter Reyno, Roberto Suárez. Colores. Concebida originalmente como un proyecto para la televisión, y filmada en el año 2001, esta película se estrenó en 2003 tras un largo trayecto que incluyó exitoso pasaje por diversos festivales (sección Zabaltegui del Festival de San Sebastián; La Habana; premio de la OCIC en Mar del Plata; Festival de Toulouse, y premio a la mejor ficción latinoamericana en el Festival de Miami), ampliación a 35mm y reconocimiento del público y la crítica internacional. Su base es
la novela Torquator de Henry Trujillo, con adaptación de Sebastián Bednarik y Coral Godoy. Cuenta la historia de una madre, su hija y un vecino, y la compleja trama de interrelaciones y dependencia entre estos tres personajes grises, solitarios, enfermos... Silvia trabaja en un taller de confecciones, y al llegar a su casa le espera su madre, postrada desde hace años en una cama. Silvia espera algún día poder experimentar la libertad, incluso se le presenta alguna posibilidad de escape bajo la forma de extrañas cartas anónimas que la alientan, pero está agobiada por la rutina. La madre, por su lado, espera muy a su manera la muerte que la liberará finalmente de sus sufrimientos, pero mientras, aprovecha para torturar psicológicamente a su hija con sus continuos reproches y su carácter hostil, valiéndose de recuerdos y frustraciones personales. Esta situación de conflicto sin aparente salida llega a oídos de un vecino solitario y enigmático, Modesto… Este es el debut como realizador de largometrajes de ficción de Aldo Garay, luego de varios documentales y series de televisión.
IDEA / Mario Jacob (37’) Uruguay, 1997 / Documental. Colores. Aproximación a la figura de quien es una de las mayores poetisas vivas de la lengua española, según el crítico argentino Luis Gregorio: Idea Villariño. Fotografía de Daniel Rodríguez Maseda y edición de Daniel Márquez.
A LAS CINCO EN PUNTO / José Pedro Charlo (55’) Uruguay-México, 2004 / Documental. Colores.
En 1973, el 27 de julio, el presidente constitucional uruguayo, al mando de las Fuerzas Armadas, encabezó un golpe de Estado, dando así inicio a una dictadura de casi doce años. La respuesta de la sociedad civil se canalizó a traves de una huelga general que duró quince dias y de la convocatoria a una gran manifestacion de protesta, que fue prohibida por las autoridades militares. El 9 de julio, día de la marcha, Rubén Castillo, reconocido comunicador radial, recitó más de una vez el poema de García Lorca que contiene el verso “a las cinco de la tarde”. La película reúne en casi una hora de duración, material de archivo que documenta la represión policial de la manifestación callejera y el testimonio de varias personas que participaron en el hecho. Fue exhibido en el Festival de Cine de Toulouse, en la sección documental. Dirección de José Pedro Charlo para Austero Producciones, sobre investigación y guión de Universindo Rodríguez y María Eugenia Jung, con fotografía y cámara a cargo de Alvaro Mechoso, sonido y música original de Daniel Yafalián y edición de Jorge García. Investigación y libreto, Universindo Rodríguez, María Eugenia Jung. Fotografía, Alvaro Mechoso. Montaje, Jorge García.
HÉCTOR, EL TEJEDOR / José Pedro Charlo y Universindo Rodríguez (59’) Uruguay, 2000 / Documental. Colores. Este documental recorre Uruguay desde la década del treinta hasta los años noventa del pasado siglo a través de la vida y lucha del obrero textil y dirigente sindical Héctor Rodríguez, fundador de la CNT y del Frente Amplio. Fotografía: Daniel Cheico; Música: Rubén Olivera y Leonardo Croatto.
EL DIRIGIBLE / Pablo Dotta (87’) Uruguay-Cuba-México-Suiza, 1994 / Laura Schneider, Marcelo Buquet, Eduardo Miglionico, Gonzalo Cardozo. Colores. Una serie de equívocos se desencadenan a partir del robo, por una joven supuestamente francesa, de una entrevista realizada al escritor uruguayo Juan Carlos Onetti, en la vuelta a Montevideo de su autoexilio en Madrid. Importante filme que inaugura el moderno cine uruguayo, después de casi dos décadas sin que se rodaran largometrajes de ficción. Premio Coral (ex aequo) a la mejor Opera Prima en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana.
LA MEMORIA DE BLAS QUADRA / Luis Nieto (90’) Uruguay-España, 2000 / Antonio Larreta, Margarita Musto, Ricardo Beiro, Laura Schneider, Norma Quijano. Colores. Éste, el segundo largometraje de Luis Nieto (también guionista), se estrenó el 19 de mayo de 2000.
El personaje de ficción Blas Quadra es un supuesto sobreviviente de la generación del '45, escritor uruguayo que formó parte del "boom" latinoamericano, que supo conocer el éxito en los años setenta. En la actualidad vive recluido (como Onetti), ciego (como Borges), con la única compañía de una secretaria que esconde un pasado comprometido con la propia vida del escritor. Su único hijo, mientras tanto, se ha convertido en un reconocido guionista de cine radicado en la madre patria. El viejo, de capacidad creativa menguada, decide escribir la que será su última novela, de carácter autobiográfico, pero debe enfrentar a su vez el acoso de una periodista que encuentra en los guiones del hijo no pocas coincidencias con la obra del padre. La situación se agrava con la llegada del hijo, puesto que el plagio revelado se transforma en competencia y franca intención de mutua destrucción entre padre e hijo, sobrevienen así inevitables conflictos generacionales y resurgen viejas cuentas familiares por saldar…
MANDADO HACER / Diego Fernández (6’) Uruguay, 2002 / Rodrigo Ceni, Ricardo Ceni, Roberto Fernández. Corto de ficción. Blanco y Negro. Un niño va al almacén de la esquina a hacer un mandado, pero en Uruguay una distancia tan corta puede llevar toda la vida… Guón del realizador; dirección de fotografía: Bárbara Álvarez.
EL VIAJE HACIA EL MAR / Guillermo Casanova (80’) Uruguay-Argentina, 2003 / Hugo Arana, Diego Delgrossi, Julio César Castro, Julio Calcagno, Héctor Guido, César Troncoso. Colores. Adaptación del cuento homónimo de Juan José Morosoli (Minas, 1899-1957). Un grupo de parroquianos se reúne en un bar de la ciudad de Minas, una mañana del año 1963, para embarcarse en la aventura de ver el mar por primera vez. Acompañados por un desconocido recién llegado de la capital —que se suma a la empresa a último momento— se suben a un destartalado camión para emprender un viaje de fin de semana a través de la serranía con rumbo a la costa de Canelones… Hay en esta película un redescubrimiento de un Uruguay olvidado a fuerza de tanta globalización y falso progreso, un viaje a una dimensión próxima y humana, poblada de historias modestas, imágenes potentes y personajes creíbles (o tal vez simplemente queribles). En los rubros técnicos, destaca la excelente fotografía de Bárbara Alvarez, y la música original de Jaime Roos, así como los trabajos de Natacha López (productora), Eduardo Lamas (director de arte) y Alejandra Rosasco (vestuarista). Debut en largometraje de ficción de Guillermo Casanova, que había demostrado su potencial creativo en los lejanos tiempos de Mamá era Punk, y se confirmó luego como realizador a partir de la serie documental Memorias de la Costa. La película se alzó con el Colón de Oro al mejor largometraje y el Colón de Plata al mejor actor para Hugo Arana en la 29º edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.
LA PERRERA / Manuel Nieto (110’) Uruguay-Argentina-Canadá-España, 2006 / Pablo Alexandre, Martín Adjemián, María Sofía Dabarca, Cucu Martiarena, Adriana Barboza, Sergio Gorfain. Colores. David, de 25 años, se ve forzado por su padre a construir su casa en una pequeña localidad balnearia. Historia de la pelea tragicómica por sobrevivir en un mundo nuevo… Argumento y libreto, Manuel Nieto. Fotografía, Guillermo Nieto. Montaje, Fernando Epstein. Dirección artística, Gonzalo Delgado Gatiana. Premio Tiger Award en Rotterdam a primeras y segundas películas; premio al guión del Hubert Bals Fund. Participó en la última edición del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano.
SALA DE VIDEO CHARLOT
JOHNNY WEISSMULLER, EL TARZÁN IDEAL.
“La saga de Tarzán se convirtió en moneda de cambio para inyectar la mentalidad colonialista, la subestimación de las razas consideradas inferiores por un orden peyorativo e instrumentalizador. Sin embargo, la carga de significados que ha tenido y ha perseguido al personaje no debe impedir una valoración de su trascendencia en el universo cultural occidental”.
Reynaldo González.
El origen del personaje de Tarzán se remonta al declive de la llamada Belle Epoque, cuando el escritor norteamericano Edgar Rice Burroughs (1875-1950) publicó el cuento titulado Tarzán de los monos (Tarzan of the Apes) en una edición de la revista All Story fechada en octubre de 1912. Dos años después el autor publicará la primera novela sobre el hombre-mono, de un total de veintidós hasta 1947, en que saldrá a la luz el último título, Tarzán y la legión extranjera.
En el primero de estos relatos se establecen las bases del mito: Tarzán, cuyo nombre era John Clayton (Lord Greystoke), nació en 1888 en un lugar impreciso de África Central, y fue criado por una manada de gorilas. Y afirma Reynaldo González, “como el Emilio de Rousseau, se hacía a sí mismo, se imponía a circunstancias que parecían insuperables y ejercía una visión individual del humanismo”. Así surgirá un nuevo héroe de la cultura de masas occidental, de enorme arraigo popular, en momentos en que mucho se desconocía de África, sus pueblos y valores.
Hollywood se encargaría de darle forma definitiva al mito, tomando algunos aspectos de las novelas de Burroughs y desechando otros, en una simplificación de cara al público que tendría su partida de nacimiento en 1918 con la película Tarzán de los monos protagonizada por Elmo Lincoln. De este modo se inició la exitosa y prolongada estadía del personaje en la pantalla, a través de noventa y ocho filmes estelarizados por cuarenta y seis diferentes actores, deviniendo uno de los personajes más interpretados del mundo cinematográficos, solo superado por Sherlock Holmes y el Conde Drácula. Elmo Lincoln, Frank Merrill, Herman Brix, Buster Crabbe, Lex Barker, Gordon Scott, Jock Mahoney y el hindú Azad, entre otros, personificarían a través de un siglo al hombre-mono, pero para historiadores y fanáticos de la saga el actor de origen austriaco Johnny Weissmuller fue el Tarzán ideal, y nunca hubo una Jane que igualara a la norteamericana Maureen O’ Sullivan.
Weissmuller (1904-1984) representó a Tarzán en más oportunidades que ningún otro intérprete, doce veces, desde Tarzán, el hombre mono (1932) hasta Tarzán y las sirenas (1948). Poseedor de un excelente físico, de elevada estatura, parecía haber nacido para interpretar este personaje. Fue durante muchos años el nadador más rápido del mundo, ganando medallas de oro en las Olimpiadas de París (1924) y Amsterdam (1928). Su pareja en la serie, Maureen O’ Sullivan —esposa del director John Farrow y madre de la conocida actriz Mia Farrow—, fue la Jane más convincente de todas. Había nacido en 1911, e intervino en las primeras seis películas interpretadas por Weissmuller. Hermosa, sensual, y buena actriz, su paso por la serie fue inolvidable.
Estas cintas, protagonizadas por Weissmuller y O’ Sullivan, fueron rodadas en California, utilizándose metraje de documentales o películas de ficción filmadas en África, integrado a la trama mediante el sistema de back-projection. Sus argumentos eran muy simples, y desde el primer título, Tarzán el hombre mono, aparece el personaje de Jane (su hijo adoptivo Boy ingresa a la serie en el cuarto filme).
Tarzán y Jane viven en una remota escarpa, difrutan de la naturaleza a pesar de sus peligros, y son felices. Los conflictos surgen cuando llegan al lugar expedicionarios de la llamada “civilización” que traerán consigo ambiciones desconocidas para Tarzán, quien ignora el valor del dinero o del oro. El amo de la selva, con su peculiar grito ratifica su condición, amedrenta a las fieras o pide ayuda a sus animales aliados, en particular el simpático chimpancé Chita (de inteligencia casi humana) o los elefantes, cuyo ataque a los enemigos de Tarzán provocará más de un desenlace. Los nativos africanos son presentados como sumisos / cobardes (los porteadores de los safaris) o agresivos / caníbales (la tribu gamboni o los pigmeos), y moran cerca del paraíso natural de Tarzán y Jane. Una galería de animales feroces (leones, leopardos, cocodrilos gigantes) añade tensión a la trama, en particular cuando ponen en peligro a los protagonistas. Es curioso anotar que el hombre-mono, visto desde el punto ambientalista de hoy día, es una suerte de héroe ecológico, defensor del medio y enemigo de la muerte innecesaria de animales (y pacifista: detesta e inutiliza las armas de fuego).
Como puede apreciarse, la muestra a exhibir presenta un esquema argumental y dramático ciertamente reiterativo, de ahí que la propuesta más gratificante sea Tarzán en Nueva York, en la que el conflicto vida natural / civilización se desplaza para la Babel de Hierro, dando lugar a algunos de los mejores gags de la serie. Muchos años transcurrirán antes de que se filme una película para adultos sobre Tarzán que fuera fiel al texto original de Burroughs: Greystoke, la leyenda de Tarzán (1984) del inglés Hugh Hudson, pero el mito, extendido a otras formas de la cultura de masas (historietas, series de televisión, animados, etc) durante el siglo XX, no tuvo otro intérprete más recordado que Johnny Weissmuller, quien años después, pasadas sus glorias, se refugiaría en la pequeña pantalla a través de la serie Jim de la Selva (Jungle Jim, 1954).
La Cinemateca de Cuba, que tiene entre sus objetivos fundamentales divulgar y dar a conocer cuanto tenga de interés en la historia del séptimo arte, les ofrece por primera vez las seis películas interpretadas por la pareja Weissmuller- O’ Sullivan.
AMR.
TARZÁN, EL HOMBRE MONO / Tarzan the Ape Man / W.S. Van Dyke (99’) EE.UU., 1932 / s.t. españoles / Johnny Weissmuller, Maureen O’ Sullivan, C. Aubrey Smith, Neil Hamilton. Blanco y Negro. Jane Parker, joven y atractiva, viaja de Londres a África para visitar a su padre, quien anhela encontrar un valioso cementerio de elefantes en la escarpa Mutier, lugar inexplorado y sagrado para los nativos. Junto a un cazador, ambos emprenden la expedición y ascienden el acantilado. Allí vive Tarzán, criado entre simios, quien sorprende a los forasteros y secuestra a Jane… En este primer filme de la serie se utilizaron algunas escenas reales de África tomadas de Trader Horn (1931), rodada por W.S Van Dike II, hijo de uno de los directores. «Muy buena» (Carlos Aguilar).
TARZÁN Y SU COMPAÑERA / Tarzan and His Mate / Cedric Gibbons y Jack Conway (93’) EE.UU., 1934 / Johnny Weissmuller, Maureen O’ Sullivan, Neil Hamilton, Paul Cavanagh. Blanco y Negro. En esta secuela de Tarzán, el hombre mono ha transcurrido más de un año y el cazador Holt, único sobreviviente de la aventura anterior, organiza un safari con su amigo Martin para escalar a la escarpa Mutier y apoderarse del valioso marfil del cementerio de elefantes. Tarzán se niega a que los cazadores profanen un lugar para él sagrado, y Martin idea un siniestro plan para lograr sus fines… «Codirigida por el famoso director artístico de la MGM Cedric Gibbons y notable por su candor sexual y escasez de ropas previos al al Código Hays de censura» (Leonard Maltin).
LA FUGA DE TARZÁN / Tarzan Escapes / Richard Thorpe (89’) EE.UU., 1936 / s.t. españoles / Johnny Weissmuller, Maureen O’ Sullivan, John Buckler, Benita Hume. Blanco y Negro. Dos jóvenes británicos, Rita Parker y su hermano Eric, viajan a África para hallar el misterioso acantilado donde viven Tarzán y Jane. Rita es prima de Jane, e intenta localizarla para comunicarle que es heredera de una gran fortuna en Inglaterra. La ambición de algunos miembros de la expedición es apresar animales valiosos y al propio Tarzán para llevarlos a Europa y enriquecerse…Tercer filme de la serie y, originalmente, una película considerada violenta para aquella época, por lo cual fue reeditada con vistas a su aprobación para cualquier público.
TARZÁN Y SU HIJO / Tarzan Finds a Son! / Richard Thorpe (90’) EE.UU., 1939 / s.t. españoles / Johnny Weissmuller, Maureen O’ Sullivan, Johnny Sheffield, Ian Hunter. Blanco y Negro. Un avión tiene un accidente en plena selva africana y solo se salva un bebé que será felizmente adoptado por Tarzán y Jane, nombrándole “Boy” (Chico). Cinco años después llega a la zona una expedición para intentar encontrar los restos del avión… Cuarta película interpretada por Johnny Weissmuller y la que debería ser la última de O’ Sullivan en la serie, pero el final fue nuevamente filmado y la actriz continuó encarnando a Jane en otras dos cintas.
EL TESORO DE TARZÁN / Tarzan’s Secret Treasure / Richard Thorpe (81’) EE.UU., 1941 / s.t. españoles / Johnny Weissmuller, Maureen O’ Sullivan, Johnny Sheffield, Reginald Owen. Blanco y Negro. Tarzán, Jane y Boy son muy felices en la selva. Un grupo de científicos y cazadores arriban a la escarpa con la intención de localizar una antigua tribu desaparecida, pero al mostrarle Boy, ingenuamente, una de las enormes pepitas de oro que yacen en el lecho de un río, se despierta la ambición y avaricia de algunos de los miembros de la expedición…Quinta entrega de la serie.
TARZÁN EN NUEVA YORK / Tarzan´s New York Adventure / Richard Thorpe (72’) EE.UU., 1942 / s.t. españoles / Johnny Weissmuller, Maureen O’ Sullivan, Johnny Sheffield, Virginia Grey. Blanco y Negro. Esta aparición final de Maureen O’ Sullivan interpretando a Jane es una de las películas más entretenidas que se hayan rodado sobre el personaje de Tarzán. Boy es secuetrado y trasladado a Nueva York, allí trabajará en un circo. Tarzán y Jane viajan a la Gran Manzana y el Rey de la Selva, enfrentado a un medio absolutamente desconocido para él, intentará rescatarle…Weissmuller no fue reemplazado por un doble en su archifamoso y legendario salto al agua desde el puente de Brooklyn. «Una de las más afortunadas apariciones del personaje» (Carlos Aguilar). Está película se tituló en Cuba Tarzán contra el mundo.
EL PERFUME: HISTORIA DE UN ASESINO / Perfume: The Story of a Murderer / Tom Tykwer (136’) Alemania - Francia- España, 2006 / s.t. españoles / Ben Whishaw, Alan Rickman, Rachel Hurdwood, Dustin Hoffman. Colores. Jean-Baptiste Grenouille nació en 1738, en el lugar más pestilente de París. Durante su infancia y adolescencia sólo conocerá trabajos duros y maltratos, pero él posee un talento único, un muy desarrollado sentido del olfato, y conocer todos los olores del mundo será su obsesión. Un día descubre las fragancias de una perfumería, luego el olor de una doncella, que le impulsa a cometer su primer crimen… Esta es la reciente versión fílmica de la conocida novela de Patrick Süskind. Estreno en Cuba.
TRANSAMERICA / Duncan Tucker (103’) EE.UU., 2005 / s.t. españoles / Felicity Huffman, Kevin Zegers, Fionnula Flanagan, Elizabeth Peña. Colores. Un transexual masculino, Bree Osborne, tras un largo proceso de hormonas y operaciones, se dispone a completar su transformación en mujer con una operación de cambio de sexo. Poco antes de su ingreso al hospital, recibe una sorpresiva llamada —desde una cárcel de Nueva York— de un jovencito que dice ser su hijo… Excelente filme dramático, soberbiamente interpretado por Felicity Hoffman, candidata al Oscar y ganadora del Globo de Oro por esta interpretación. Una película receptora de otros premios y candidaturas en festivales u otorgados por diversas asociaciones de críticos. Estreno en Cuba.
HUMPHREY BOGART: UN “TIPO DURO” DE BUEN CORAZÓN
Mirada cínica, voz nasal, cigarrillo entre los dedos, un vaso de whisky, un revolver a la vista. El incuestionable carisma del actor Humphrey Bogart y el tipo de personaje que habitualmente representó, crearon la leyenda y devino en un ícono absoluto del séptimo arte que continúa despertando interés y admiración en cada nueva generación de espectadores y cinéfilos.
De nombre real Humphrey DeForest Bogart, había nacido en Nueva York el 23 de enero de 1899 en el seno de una prominente familia. Tras realizar estudios en la Trinity School de esa ciudad, y ser expulsado de la Phillips School de Massachussets, participó en la Primera Guerra Mundial y a su regreso comenzó una discreta carrera como actor teatral. Años después, y como muchos de sus compañeros de profesión, viajó a Hollywood y consiguió un breve contrato con la compañía Fox. Su debut tuvo lugar con el cortometraje Broadway’s Like That (1930), junto a las actrices Joan Blondell y Ruth Etting. A partir de entonces Bogart hará breves apariciones en personajes de gangster a través de diez filmes, hasta que le llegó su primera oportunidad con El bosque petrificado (1936), gracias a la presión que ejerció su compañero en la pieza original de Broadway, Leslie Howard, para que Bogart y no Edward G. Robinson —seleccionado por el estudio— fuera contratado. El filme fue un gran éxito, le dio a conocer, y la compañía Warner Bros le contrató por $ 550 a la semana. Entre 1936 y 1940 Bogart interpretará veintiocho películas como actor de reparto en cintas policiacas y algunos oestes, junto a luminarias de dicho estudio como Bette Davis (Amarga Victoria), James Cagney (Héroes Olvidados) y George Raft (La pasión ciega).
El año de su lanzamiento definitivo fue 1941, al rodar dos películas como protagonista, de gran interés: Sierra Alta (Su último refugio) y El Halcón Maltés. En la primera de estas cintas, su caracterización de Roy “Mad Dog” Earle demostró que su talento rebasaba con creces el personaje unidimensional de gangster que le había tocado interpretar hasta ese momento. Había nacido su célebre caracterización del bad-good-boy, un “tipo duro”, de buen corazón, un sobreviviente de las calles, conocedor como pocos de la maldad humana, de hermosos y bien ocultos sentimientos, personaje que redondeará en El Halcón Maltés del director John Huston, partida de nacimiento del Film Noir o Cine Negro, en el que incorpora al detective privado Sam Spade, según la novela de Dashiell Hammett.
Un año más tarde, en 1942, Bogart filmó un nuevo contrato con la Warner Bros, esta vez por $ 2750 semanales, e inició el rodaje de una serie de filmes bélicos como parte de los esfuerzos de Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial. El primero de ellos tiene la aureola del mito, e intensificó aún más el carácter romántico del personaje. Se trata de la inmortal Casablanca (1942), clásico entre clásicos, en la que “Bogie” tendrá como contrafigura a la hermosa y excelente actriz Ingrid Bergman. El actor recibirá su primera candidatura al Oscar de interpretación.
Luego de rodar otras películas de ambiente bélico, entre ellas Pasaje a Marsella (1944), el ya famoso actor preside el reparto de Tener y no tener (1944), según la novela de Ernest Hemingway, donde conoce a una atractiva actriz debutante, Lauren Bacall. Pronto se casaron y Bacall se convierte en la mujer de su vida, tras un fallido matrimonio anterior que le había sumido en la depresión y el alcohol. La pareja Bogart- Bacall pronto será una de las más célebres de la pantalla, actuando juntos en El sueño eterno (Al borde del abismo, 1946), Oscura Travesía (La senda tenebrosa, 1947) y Cayo Largo (Huracán de pasiones, 1948). Sus personajes de antihéroe en estas cintas y en otras de la posguerra le transformarán, definitivamente, en un símbolo del Film Noir, hasta Muerte en un beso (1950), título importante de esta corriente cinematográfica en la que Bogart hizo la que tal vez sea la mejor interpretación de su carrera.
Como acertadamente explica el historiador del cine norteamericano James Monaco, el sistema de estudios en Hollywod y los contratos con las grandes estrellas cambiaron drásticamente al filo de la década del cincuenta, Bogart comenzó a recibir enormes salarios, y gozó de una amplia libertad que le permitía seleccionar papeles y directores y aprobar los guiones en que intervenía. La Warner Bros comenzó a pagarle $ 200 000 anuales y a la vez fundará su propia compañía, Santana Productions. Por estos años continuará su alianza con su amigo John Huston, trabajando juntos en El tesoro de Sierra Madre (1948), La Reina de África (1951) —por el que recibirá el Oscar de interpretación—- y La burla del diablo (1953).
Durante la última etapa de su carrera, Bogart hará una peculiar incursión en la comedia romántica para el director Billy Wilder (Sabrina, 1954) y luego retornará a caracterizaciones de complejidad psicológica: el director cinematográfico, junto a Ava Gardner, de La Condesa Descalza (1954), el desquiciado Capitán Queeg de El motín del Caine (1954) —otra nominación al Oscar—, el peligroso convicto en fuga de Horas Desesperadas (1955) y el cronista deportivo de La caída de un ídolo (1956). Falleció un año después, en 1957, victima de cáncer.
Les presentamos la mayor retrospectiva que se haya realizado en la Cinemateca de Cuba sobre el inolvidable “Bogie”, agradeciendo la colaboración prestada por amigos de la institución.
AMR.
EL BOSQUE PETRIFICADO / The Petrified Forest / Archie Mayo (83’) EE.UU., 1936 / s.t. españoles / Leslie Howard, Bette Davis, Dick Foran, Humphrey Bogart, Genevieve Tobin. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Este fue el filme que lanzó a Bogart como estrella de Hollywood. En él encarna a Duke Mantee, un peligroso gangster en fuga que junto a su banda toma un grupo de rehenes en un restaurante de carretera en Arizona, cerca del desierto. Un viajero de paso (Leslie Howard) y la soñadora hija del dueño (Bette Davis) serán otros personajes claves de esta adaptación al cine realizada por Charles Kenyon y Delmer Daves de la pieza de Robert Sherwood. Leslie Howard y Humphrey Bogart repiten los roles que habían desempeñado en Broadway. Algo importante es que la compañía productora no quería a Bogart en el papel de Duke Mantee, pero Howard puso como condición imprescindible que Bogart participara y la compañía, finalmente, accedió. Un filme muy interesante y poco visto en Cuba.
CALLEJÓN SIN SALIDA / Dead End / William Wyler (93’) EE.UU., 1937 / s.t. españoles / Sylvia Sydney, Joel McCrea, Humphrey Bogart, Wendie Barrie, Claire Trevor. VCD, Blanco y Negro. La vida de un grupo de personas en un callejón sin salida frente a unas viviendas de gente adinerada en Nueva York es el centro del interés de la filmación de esta pieza de Grim Sydney Kingsley, adaptada por la escritora Lillian Hellman. Bogart tiene un papel menor.
AMARGA VICTORIA / Dark Victory / Edmund Goulding (104’) EE.UU., 1939 / s.t. españoles / Bette Davis, George Brent, Humphrey Bogart, Geraldine Fitzgerald. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. En esta adaptación fílmica de una pieza teatral, Davis ofrece aquí un verdadero recital interpretativo en el rol de Judith Traherne, joven y rica heredera de Long Island a la que le descubren un tumor cerebral y es operada por un experto neurocirujano, del cual se enamora. La actriz será nominada al Oscar, pero perdería ante Vivien Leigh por su papel en Lo que el viento se llevó. El filme y la partitura de Max Steiner también serían nominados. Humphrey Bogart encarna en la película a Michael O’Leary, entrenador de los caballos de la Davis, y en un breve papel puede apreciarse a Ronald Reagan, quien muchos años después sería presidente de Estados Unidos.
HÉROES OLVIDADOS / The Roaring Twenties / Raoul Walsh (104’) EE.UU., 1939 / s.t. españoles / James Cagney, Priscilla Lane, Humphrey Bogart, Gladys George. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Un excombatiente de la Primera Guerra Mundial, Eddie Bartlett (Cagney), no encuentra empleo al regresar a Estados Unidos y se convierte en contrabandista de licor en los días de la Ley Seca. Su poder aumenta cada vez más, y para ello se vale de dos amigos del ejército, un individuo muy violento y un abogado. Solo falta algo para completar su felicidad, que la chica que ama le corresponda. Mientras tanto, una banda rival planea matarle… Un clásico del cine de gangsters dirigido por el experto Raoul Walsh.
LA PASIÓN CIEGA / They Drive By Night / Raoul Walsh (93’) EE.UU., 1940 / s.t. españoles / George Raft, Ann Sheridan, Ida Lupino, Humphrey Bogart. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Sobresaliente filme que narra la historia de dos hermanos camioneros (Raft y Bogart), Joe y Paul Fabrini, enfrentados a los peligros de la carretera...Inspirada, en su segunda mitad, por el filme En la frontera (Bordertown, 1935) de Archie Mayo. «Una de las obras maestras de Walsh. Película altamente conseguida, cuenta además con maravillosas interpretaciones del excelente reparto» (Carlos Aguilar). Basada en la novela de A.I. Bezzerides. Este filme se tituló La pasión manda cuando se estrenó en nuestro país.
SIERRA ALTA / High Sierra / Raoul Walsh (100’) EE.UU., 1941 / s.t. españoles / Ida Lupino, Humphrey Bogart, Alan Curtis, Arthur Kennedy. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. El famoso asaltante de bancos Roy “Mad Dog” Earle (Bogart) sale de la cárcel tras ocho años de reclusión. Su antiguo jefe le encarga de inmediato el atraco de un hotel de lujo en las montañas de California. Allí conoce a sus cómplices, entre ellos a una seductora mujer, y prepara el golpe... Guión de John Huston y W.R. Burnett a partir de una novela de Burnett, y uno de los mejores filmes de gangsters de la historia del cine norteamericano. Este filme se tituló Su último refugio cuando se estrenó en nuestro país.
EL HALCÓN MALTÉS / The Maltese Falcon / John Huston (102’) EE.UU., 1941 / s.t. españoles / Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sidney Greenstreet. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Partida de nacimiento del Film Noir o Cine Negro y fiel adaptación de la conocida novela homónima de Dashiell Hammett en ésta, su tercera versión fílmica y opera prima del gran director John Huston, quien contó con un reparto estelar con Bogart en el rol del detective Sam Spade, el que debe investigar el paradero de una valiosa estatuilla tras un rastro de cadáveres. «Por primera vez el policiaco norteamericano tiene personajes vivos, reales, humanos, con un ambiente definido, tenso y pesado, y un clima psíquico y social para la acción. Marca un cambio en el cinema norteamericano y en el cine policiaco mundial» (Manuel Villegas López). Candidata al Oscar como mejor película, actuación secundaria (Greenstreet) y guión (Huston).
CASABLANCA / Michael Curtiz (102') EE.UU., 1942 / s.t. españoles / Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Reins, Conrad Veidt, Peter Lorre. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Título mítico, no ya del cine estadounidense, sino de la cinematografía universal. Intrigas y amor en Casablanca, con Bogart y Bergman asumiendo sus entrañables personajes. Y, ¿quién puede olvidar a Dooley Wilson cantando As Time Goes By? Tuvo 8 nominaciones al Oscar (Bogart y Claude Rains fueron nominados, no así la Bergman) y ganó las distinciones correspondientes a mejor película, director y guión (Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch). Un clásico absoluto del cine de todos los tiempos.
SAHARA / Zoltan Korda (97’) EE.UU., 1943 / s.t. españoles / Humphrey Bogart, Bruce Bennett, J. Carroll Naish, Lloyd Bridges, Rex Ingram. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Durante la campaña de Africa, en la segunda guerra mundial, un grupo de soldados aliados se queda separado del grueso de sus tropas y pasa múltiples penalidades en el desierto del Sahara, resistiendo el ataque de los soldados alemanes mientras espera los refuerzos… Bogart encarna al sargento Joe Gunn en esta cinta inspirada en un pasaje del filme soviético Los 13 (1937) de Mijaíl Romm, con argumento de Philip MacDonald, adaptado por James O’Hanlon y guión de John Howard Lawson y el director. Tres candidaturas para el Oscar (al actor de reparto J. Carroll Naish, a la fotografía de Rudolph Maté y al sonido). Música de Miklos Rozsa.
TENER Y NO TENER / To Have and Have Not / Howard Hawks (100’) EE.UU., 1944 / s.t. españoles / Humphrey Bogart, Walter Brennan, Lauren Bacall, Hoagy Carmichael, Dan Seymour. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Versión libre de la novela de Ernest Hemingway a partir del guión de William Faulkner y Jules Furthman, que dio origen al nacimiento de un romance dentro y fuera de la pantalla, el de Bogart con la debutante Lauren Bacall, quien resultaría el amor de su vida. Ecos de Casablanca se detectan en este filme ambientado en el Caribe francés, en la isla de Martinica en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Bogart será Harry Morgan, patrón de un yate de pesca, y se verá envuelto en conflictos con las autoridades locales por ayudar a la resistencia… Muy buena.
EL SUEÑO ETERNO / The Big Sleep / Howard Hawks (114’) EE.UU., 1946 / s.t. españoles / Humphrey Bogart, Lauren Bacall, John Ridgely, Martha Vickers. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Un título fundamental del Film Noir. Philip Marlowe, famoso detective privado, conoce a la extraña familia del anciano general Sternwood cuando éste le encarga el cuidado de sus hijas Vivian y Carmen, ya que la segunda es víctima del chantaje de un individuo nombrado Geiger. Marlowe trata de descubrir quién es el chantajista y qué intenciones tiene. Al entrar por la noche en la casa de Geiger, Marlowe encuentra a Carmen drogada, el cadáver de Geiger y una cámara fotográfica sin carrete, oculta en un adorno…Este filme, adaptado de la primera novela de Raymond Chandler sobre su famoso personaje, se tituló en Cuba Al borde del abismo. Guión de William Faulkner, Jules Furthman y Leigh Brackett.
OSCURA TRAVESÍA / Dark Passage / Delmer Daves (106’) EE.UU., 1947 / s.t. españoles / Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Bruce Bennett, Agnes Moorehead. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. En este clásico del Film Noir basado en una novela de David Goodis, tercera película en la que trabajaron juntos la pareja Bogart-Bacall, el astro interpreta a Vincent Parry, un fugitivo de la cárcel, acusado de asesinato, que es buscado intensamente por la policía. El único recurso que surge para poder escapar es hacerse una operación de cirugía plástica y así tener un nuevo rostro… Bacall interpreta a Irene Jansen, su única aliada. Este filme, rodado en San Francisco, se tituló en Cuba La senda tenebrosa.
Programación y Notas: Antonio Mazón Robau
Notas sobre el ciclo Muestra del cine uruguayo contemporáneo: Antonio Mazón Robau y Manuel Martínez Carril
Agradecimientos: Alianza Francesa; Instituto Nacional del Audiovisual del Uruguay; Cinemateca Uruguaya; Ministerio de Relaciones Exteriores del Uruguay; Embajada de Uruguay en Cuba; Mayra Lilia Rodríguez Pastrana, Francisco Adrianzén, Santiago-Juan Navarro.